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Sehr geehrte Frau Lindner, Sehr geehrter Herr Koch, lieber Horst Peter Schlotter, liebe Familie Schlotter, meine Damen und Herren,

der Titel dieser Ausstellung mit Malerei und Grafik von Horst Peter Schlotter hat neugierig gemacht: „In Stücken in der Zeit treiben“,
so heißt auch ein Gemälde des Künstlers. In der Ausstellungsankündigung liest man: „Das klingt gut und bleibt rätselhaft.“ Was man vielleicht mit Science Fiction in Verbindung bringen würde, ist die Abwandlung eines Zitats des österreichischen Dichters
Robert Musil (1880-1940) aus dessen berühmten Roman „Mann ohne Eigenschaften“. Darin erhebt Musil ganz grundsätzlich die Frage nach der Konstitution eines Subjekts. Der Protagonist des Romans befindet sich in einer existentiellen Krise und ist, vereinfacht gesagt, auf der Suche nach dem Sinn seines Lebens. Er hinterfragt seine Person und seine Eigenschaften. Die Erkenntnis, eine bloße
Erscheinung in dieser Welt zu sein, zielt auf die subjektive Selbstwahrnehmung.
Der Gedanke, Leben als zeitliches Ereignis zu betrachten, in dem sich der Mensch verlieren kann, beinhaltet letztlich
auch etwas Flüchtiges, Vorübergehendes, Unvollendetes, worauf der Roman, der auch zeitgeschichtliche, politische Bezüge enthält, zielt.
Die Wirklichkeit als zu hinterfragendes Geschehen ist auch ein Thema im künstlerischen Werk von Horst Peter Schlotter. „Nichts ist
wie gedacht“, „Vom Schweren und Leichten/Hand anlegen“, „Die Dinge wie sie sind“ oder auch „Nicht immer sind die Dinge so“, um
hier nur einige Beispiele seiner Bildtitel zu nennen, dokumentieren einen Hang zur kritischen Auseinandersetzung mit den realen Erscheinungen und das Denken in Gegensätzen. Einfühlungsvermögen und eine gewisse melancholische Grundstimmung gehören unbedingt dazu.
Dabei dichtet man den Schwaben doch in erster Linie Bodenständigkeit,
Fleiß, Sparsamkeit und hintersinnigen Humor an und weniger
ein philosophisches Grübeln.
Schlotter, der 1949 in Stuttgart geboren wurde, lebt und arbeitet
noch heute im „Ländle“, also Bodenständigkeit! Unweit von der Landeshauptstadt
in Münklingen bei Weil der Stadt im Würmtal hat sich
der Künstler mit seiner Familie eingerichtet, ist in Haus und Garten
von seiner Kunst und derjenigen seiner Künstlerfreunde umgeben.
Der leidenschaftliche Koch und Hobbygärtner war übrigens Mitbegründer
des dortigen Kunstforums und ist seit über 20 Jahren für
die zeitgenössische Kunst aktiv tätig: Kunst ist sein Leben, Fleiß
also.
Dies bescheinigt man ihm auch gerne nach Besichtigung seines Ateliers.
Die Räume im Untergeschoss des Hauses beherbergen einen
großen Malraum, in dem eine lange Wand, aber auch der Fußboden
zum Malen zur Verfügung steht. Schon beim Hinabsteigen sieht
man überall Werke vor den Wänden stehen, muss sich der Besucher
entlang langer Reihen von Kunstwerken seinen Weg bahnen.
Ein separater Raum dient dem grafischen Schaffen, in dem jeden
Tag gearbeitet wird. „Zeichnen ist meine tägliche Arbeit“, sagt
Horst Peter Schlotter und zeigt nicht ohne Stolz auf das Konvolut
der vielen Malerbücher, die in schwarzem Einband mehrere Regalböden
füllen. 1987 hat er damit begonnen, nicht nur auf Reisen
Skizzenbücher zu verwenden, sondern „Von Tag zu Tag“ sich dem
Zeichnen hinzugeben. Die Bücher sind für ihn individuell angefertigt
und zeugen von der täglichen Benutzung.
Horst Peter Schlotter lädt Sie in dieser Ausstellung ein, sich in den
hier präsentierten Beispielen über dieses für ihn so wichtige Medium
zu informieren (vier auf Pulten zum vorsichtigen Durchblättern, andere
in Vitrinen). In den Malerbüchern, so sagt er, habe er alle Freiheiten,
alles darf stehenbleiben, alles ist erlaubt. Manches Motiv hat
Bezug zur Literatur, die er in Form von Textzitaten in die Bildgestaltung
integriert. In manchen finden wir den Künstler im Selbstporträt
wieder. Diese Malerbücher haben den Charakter von Tagebü-
chern und dienen nicht als Vorlagen zur Ideenformulierung für die
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großen Werke. Der Betrachter ist sich der Intimität dieser Bildäußerungen
zumeist nicht bewusst, da Schlotters Darstellungsweise zur
Abstraktion neigt und Gegenständliches nur fragmentarisch erscheint.
Wie auch in den großen Werken wird hier geklebt, übermalt, kombiniert
und viel Spontanes stehengelassen. Irene Ferchl hat in ihrem
Katalogtext zu den Malerbüchern von Horst Peter Schlotter den
schönen Begriff des „inneren Laboratoriums“ gefunden (Kat. Von
Tag zu Tag, Malerbücher 1987-1999, o.S.). Ein Laboratorium ist ein
Ort des Geistes, der Forschung und Entwicklung, ein Ort der permanenten
Suche nach etwas Neuem, nach etwas, das vorangeht. Ein
Ort, an dem experimentiert wird. Und da wären wir beim schwäbischen
Erfindergeist.
Doch halten wir uns besser an die Fakten:
Als Horst Peter Schlotter 1970 an der Staatlichen Akademie der Bildenden
Künste in Stuttgart zu studieren beginnt, geht von dort eine
besondere Außenwirkung aus. Die Beiträge von Georg Karl Pfahler
und Thomas Lenk zur Biennale von Venedig 1970 bildeten sozusagen
den Höhepunkt avantgardistischer Kunst aus Schwaben in dieser
Zeit (Ursula Zeller in: Kat. Impuls Südwest, Stuttgart – Die goldenen
Jahre, S. 37). Beide hatten sie ihre Anfänge im Informel, jener
internationalen Kunstrichtung, die auf formale und kompositorische
Regeln verzichtet und sich im spontanen Malakt artikuliert.
Schlotter studierte in Stuttgart bei den Professoren Peter Grau
(geb. 1828) und Gunter Böhmer (1911-86), die beide gegenständlich
arbeiteten. Grau, wenngleich nicht in der Abstraktion beheimatet,
hat für sein Werk durch seinen Lehrer Willi Baumeister viele Anregungen
erhalten, etwas, was er wiederum an seine Schüler weitergegeben
hat, wie z. B. Augen für die Komposition der Dinge, Erkenntnisse
von Spannungen einer Fläche, den Blick für einzelne
Formen in einem Bildgefüge und die Ablehnung symmetrischer
Kompositionen – all das auch Kennzeichen von Schlotters Werk.
Und bei Gunter Böhmer, so der Künstler, habe er das Zeichnen als
unverzichtbares künstlerisches Medium gelernt.
Betrachten wir Horst Peter Schlotters Arbeiten auf Papier, so wird
deutlich, dass sie ebenso vielschichtig sind wie seine Malerei und oft
auch mit denselben Malmitteln entstehen. Gearbeitet wird mit Pigment
und Acryl. Auf Papier verwendet Schlotter auch Ölfarbe oder
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Wachs, die durch ihren öligen Zusatz auf diesem Untergrund eine
besondere Wirkung erzielen.
PAN, so seine Abkürzung für seine Maltechnik: Der Künstler malt
auf Nessel, nicht Leinwand. P steht für Pigment, A für Acryl, N für
Nessel. Neben reinen Pigmenten werden auch Kohle und Pastellkreiden
vom Künstler pulvrig mit Acrylbinder vermischt, was in den Gemälden
pudrig in Erscheinung tritt. Die Vermischung von Pigmenten
und Acrylbinder zusätzlich mit Wasser erlaubt Ergebnisse, die die
Farbschichten transparent übereinanderstehen lässt.
Horst Peter Schlotter bevorzugte in seinem malerischen Werk bis
etwa 2010 überwiegend die Farbe Gelb in Kombination mit anderen,
meist hellen Farben (Alte Schale“, 2008, Eingang Kapelle), bis ihm
über einen Künstlernachlass ein Glas roter Pigmente in die Hände
fiel. Dieses Chromrot löste eine Veränderung in seiner Farbwahl
aus. Seither beschäftigt sich der Maler mit den unterschiedlichsten
Rottönen. Sein letzter Katalog „Bilder im ersten Jahrzehnt, 2000-
2010“, endet mit diesen leuchtenden, rotgrundigen Werken. Darunter
sind zahlreiche Übermalungen einst gelber Bilder, denen der
Künstler, wie er selbst sagt, „ein rotes Kleid angezogen hat“.
Diese Übermalungen sind auch Teil der heutigen Ausstellung. Exemplarisch
steht dafür die Serie „Char, Fassung Rot“, die auf
gelbgrundige Motive von 2007 zurückgeht (im EG) und im vergangenen
Jahr rot übermalt wurde. In ihr ist auch eines seiner Hauptmotive,
die Schale, dargestellt. Diese für ihn ideale Form, die Halbschale,
kann etwas enthalten, aber auch etwas empfangen. Die gespannte
Rundung, die bei Schlotter zumeist leer ist, dient ihm auch
als eine Art Denkraum und ist damit Sinnbild für Geistiges. Neben
der Schale gibt es in seinem Werk auch das Motiv der Vase, das Samenkorn
und die Kapsel oder den Kokon, ein Gespinst, das etwas
Lebendiges umhüllt. Der damit verbundene Gedanke des Werdens
und Wachsens, der Entwicklung und des Fortgangs stehen bei
Schlotter auch Motive des Verhüllens, des Überdeckens und zugleich
des Geheimnisvollen gegenüber.
Ebenso geheimnisvoll wie auch manche Bildtitel beim Lesen erscheinen.
„Nichts ist wie gedacht“ heißt ein großformatiges Bild
aus dem Jahr 2010/11. Das zweiteilige Werk gibt schon über seinen
Titel Rätsel auf, was darin ist „nicht wie gedacht?“. Den Vordergrund
markiert eine sehr schmale weiße Fläche – ein Tisch viel-
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leicht? Darauf befindet sich in der rechten Bildhälfte eine große leere
Schale, in grau-schwarzen und blauen Farben gemalt, unter denen
ein helles Gelb noch leicht hervorscheint. Links vom unteren
Bildrand aus erhebt sich kerzengerade ein dünner Ast, unter dem
weitere, übermalte, pflanzliche Strukturen erkennbar sind. Der Hintergrund,
fast den gesamten Bildraum umfassend, wurde in kräftigem
Rot großflächig gestaltet, jedoch so, dass das dort ebenfalls
Darunterliegende noch leicht sichtbar geblieben ist. Im linken Bildteil
schwebt neben der linearen Astform die Büste einer dunkelhäutigen
Frau ägyptischer Abstammung. Davor befindet sich eine
große, geöffnete, organische Form, aus der mehrere linsenförmige
blau-grüne Gebilde emporsteigen. Im rechten Bildteil sitzt über der
großen Schale eine mittelgroße gelbliche Gestalt von amorpher
Form sowie darunter eine kleine blaue Nadel, die sich entweder aus
der Schale heraus oder in sie hinein zu bewegen scheint. Dieses
Werk von Horst Peter Schlotter vereint in seiner Bedeutung allumfassende
Formen: die Samen als Keimlinge, die Pflanze, die daraus
erwächst, die Schale als Gefäß, das empfangen kann, aber auch abgibt
und nährt. Bleibt die Büste der Ägypterin – ein Sinnbild für
Schönheit und Kultur?
Hinzu tritt die Wirkung der Farbe Rot, die laut Wassily Kandinsky
(1866-1944) den seelischen Ausdruck von Kraft und Tiefe sowie Assoziationen
von Wärme, Lebendigkeit und Grenzenlosigkeit, aber
auch Unruhe in sich birgt. „Das Rot ist sehr reich und verschieden
in der materiellen Form“, heißt es in seiner Abhandlung „Über das
Geistige in der Kunst“ (Ausgabe 1952, S. 99). „Man denke nur: Saturnrot,
Zinnoberrot, Englischrot, Krapplack, vom hellsten in die
dunkelsten Töne.“ Damit verbundene Gefühlsbeschreibungen könnten
sein: Kraft, Energie, Streben, Entschlossenheit, Freude, Triumph
usw. (ebenda).
Sehen Sie selbst, wie unterschiedlich die verschiedenen Rottöne in
Schlotters Bildern wirken, z.B. in „Nandi (Eines zum Anderen)“
(2012), eine Komposition mit einem altertümlich wirkenden Gefäß
und einer rundlichen vegetabilen Form aus der Algenartige grüne
Bänder emporsteigen. Hierzu ließ er sich beim Hören eines Musikstück
von Rabih Abou-Khalil (libanesischer Komponist und Jazzmusiker)
anregen.
Oder in dem ebenfalls querformatigen Gemälde „Denkstelle“
(2016), in dessen Zentrum ein kreisförmiges, an einen Schädel er-
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innerndes Element vorkommt, aus dessen linker Seite ein menschlicher
Kopf austritt. Oben rechts scheint die in sich strukturierte
Form wie von einem Pfeil durchstoßen zu sein.
Er gehe nicht von den realen Dingen aus, sagt Horst Peter Schlotter
im Gespräch, ganz im Gegenteil, störe es ihn, wenn er weiß, was es
ist. Ebenso komme das Wort – gemeint der anschließend formulierte
Titel – immer erst nach dem Bild. Die Poesie, die die realen Versatzstücke
in seinen Bildern ausstrahlen, entwickeln sie in der Gegenüberstellung
mit den anderen Dingen im Bild. Schlotter lässt die
Bedeutung seiner Motive in der Schwebe, ihm reicht die bloße Anmutung,
das gefühlsmäßige, unbestimmte Eindruckserlebnis, was
eine Faszination auf ihn ausübt. Dass daraus ein Bild mit dem Titel
„In Stücken in der Zeit treiben“ (2016) entstehen kann, erschließt
sich folgerichtig. Weniger schlüssig mag für den Betrachter
zunächst die Darstellung mehrerer blauer Schalen in diesem Bild
sein. Sie stehen eng zusammen, zwei von ihnen sind in weißlichen
Farben wiedergegeben. Die Ansammlung hat etwas Zufälliges, das,
was sich gerade zusammengefunden hat, kann im gleichen Moment
wieder auseinandergehen. Alles ist im Fluss und treibt in Stücken in
der Zeit, könnte man philosophieren. Meint der Künstler damit vielleicht
die Unvollständigkeit alles Seins?
An dieser Stelle sei der Hinweis auf den Surrealismus erlaubt. Und
damit der Bogen zurück auch zu den Werken auf Papier. Hier in
Crailsheim zeigt Schlotter Beispiele aus den Serien „Le Grand Juste“
(2014), „Capriccio“ (2013/14), „Stolen Images“ oder „Spur
erschöpfter Dinge“. Zu letzterer wurde er von der surrealen Poesie
Paul Éluards (1895-1952) angeregt. In der Tradition der papiers
collés verwendet der Künstler in diesen grafischen Serien gefundene
Bilder, die als kunstfremdes Material Einzug ins Werk finden,
dort aber durch die Eingriffe des Malers in einen neuen Zusammenhang
gebracht werden. Er fühle sich manchmal Max Ernst nahe, erklärt
Schlotter und nimmt damit Bezug auf dessen besondere Collagetechnik,
aber auch auf die bisweilen surrealen Wirkungen seiner
Papierarbeiten. Dass die Dinge in ihnen erschöpft sind, ist so zu
verstehen: in ihrer einstigen Verwendung dienten sie einem Zweck.
Hier nun wurde ihnen durch den Künstler ein weiterer, anderer zugewiesen.
Durch die künstlerischen Veränderungen sind sie ihrer
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ursprünglichen Bedeutung entrissen – ihre Spur geht verloren und
hat sich erschöpft.
Max Ernst (1891-1976) soll darüber gesagt haben: „Die CollageTechnik
ist die systematische Ausbeutung des zufälligen oder
künstlich provozierten Zusammentreffens von zwei oder mehr wesensfremden
Realitäten auf einer augenscheinlich dazu ungeeigneten
Ebene – und der Funke Poesie, welcher bei der Annäherung
überspringt.“
Wenn Sie jetzt der Meinung sind, diesen Gedanken an dieser Stelle
nicht mehr weiterspinnen zu wollen, darf ich Sie an den Künstler
selbst verweisen und Ihnen noch ein letztes Zitat eines Vertreters
des Abstrakten Expressionismus, Sam Francis (1923-1994), mit auf
den Weg geben. Er hat einmal gesagt: „Es gibt genauso viele Bilder
wie Augen zum Sehen“.
In diesem Sinne wünsche ich Ihnen heute Abend noch einen guten
Blick, den Kunstfreunden Crailsheim Gratulation für diese wunderbare
Präsentation und Horst Peter Schlotter ganz viel Erfolg mit dieser
Ausstellung und natürlich auch darüber hinaus.

Herzlichen Dank für Ihre Aufmerksamkeit!

© Dr. Sabine Heilig, Nördlingen, im Februar 2016

H.P. Schlotter
Von Tag zu Tag– aus den Büchern und Bildserien
Böblinger Kunstverein, kabinett #11
Liebe Freunde des Böblinger Kunstvereins, ich freue mich über diese Ausstellung mit Arbeiten von H.P. Schlotter, die dem Titel nach VON TAG ZU TAG entstanden sind. Den Künstler muss ich kaum vorstellen: ist er doch ein künstlerisches Urgestein im Landkreis. Ich darf euch und dich, lieber Peter, herzlich begrüßen und wünsche mir, dass so viele Besucher wie heute auch während der Ausstellung auch von Tag zu Tag hierher den Weg finden – die Bilder haben es verdient. Ob wir den Rekord erzielen, bleibt offen, aber immerhin können wir einen Superlativ verzeichnen: Es sind genau 70 Positionen zu sehen – das Kabinett ist in allen Ausstellungen für eine Überraschung gut. Nun wäre es aber schlecht bestellt, wenn es um die pure Menge ginge. Nein, es geht entschieden auch um das Niveau – und lasst mich ein wenig schwärmen: es ist eine zauberhafte, dichte, stimmige Schau geworden, wie sie besser nicht sein könnte. Möglicherweise ist sie sogar überraschend: Das ureigene Thema von H. P. Schlotter, die Korrelationschiffren Kopf und Gefäß, taucht in den Arbeiten hier zwar als Motiv auf, doch sind die Bücher und ihre Auskopplungen spielerischer, à jour gedacht und noch vielschichtiger. Das gerahmte Buchobjekt (zwischen den Fenstern) kann man als Zitat zum großartigen malerischen Werk sehen, weil die gezeigte Doppelseite gerade auf das Leitthema in Schlotters Schaffen verweist. Eine Handvoll Arbeiten auf Papier variieren das Lieblingsthema unter dem Titel »Gefäß und Kreuz«, eine unauffällige Verbeugung vor Joseph Beuys auf Prospektpapier der Automarke Audi… »Von Tag zu Tag – Aus den Büchern« heißt die neue Ausstellung im Kabinett des Böblinger Kunstvereins. H.P. Schlotter nimmt dies in doppeltem Sinn wörtlich und verknüpft so mit dem optischen wie haptischen Zugang zu seinen Bildtagebüchern eine Weltsicht, die nicht einfach tagespolitische Begebenheiten widerspiegelt, sondern einen Einblick in den bildnerischen Kosmos des Künstlers gewährt, VON TAG ZU TAG. Ich sagte bewusst ›haptisch‹: Für gewöhnlich sollten wir Kunst nicht anfassen – die Bücher laden jedoch ein, darin zu blättern. Wenn ich darum bitte, dies mit Bedacht zu tun, heißt das nicht nur, die Kunst zu schützen, sondern auch, sich auf Entdeckungen gefasst zu machen, die uns nachdenklich machen. Der Titel »Aus den Büchern« bezieht sich konkret auf die Bücher, die Schlotter in meditativer Regelmäßigkeit seit etwa 1980 vorantreibt, zum anderen auf die Auskopplung ganzer Bildserien, die im kleinen wie im großen Format eine Bildsprache entfalten, die sich mal mehr, mal weniger von den zugrunde gelegten Buchinhalten emanzipieren. Die Kunst nimmt bei Schlotter ihren Weg: von der äußeren Welt ins gefühlte Innenleben, wieder nach draußen im neuen Kontext, von dort wieder nach innen usw.

Von Tag zu Tag –mich erinnert dieser Titel an die Reihe »Tag um Tag guter Tag« von Peter Dreher. Der macht etwas ganz anderes, nämlich konstant, unermüdlich ein gewöhnliches Trinkglas malen. Das Motto ist angeregt von einem chinesischen Zen Meister, hat also einen meditativen Hintergrund, der auch für Schlotter wichtig ist – auch wenn er einen anderen Zugang zur kontemplativen Betrachtung sucht: Das Buch legt ihm nahe, sich regelmäßig Zeit zu nehmen, um einen Gedanken, eine Assoziation, eine Reminiszenz (etwa an Oskar Schlemmer), eine konkrete Idee, zuweilen eine bestimmte Begebenheit regelrecht zu Papier zu bringen, mal nüchtern, mal überaus sinnlich. Während sich Dreher in ein Motiv versenkt, das immer in einem gleichen Format auf dieselbe Weise und doch nur ähnlich repetiert wird, setzt sich Schlotter auf der Buchseite eine variierende Größe, die auch mal seitenfüllend sein kann oder sich gar auf eine Doppelseite ausweitet. So entstehen gemalte, gezeichnete oder collagierte Miniaturen oder eben das Buchformat sprengende Bilder. Wie auch immer, die Begrenzung ist wichtig, das Medium ebenso: im Buch erhalten die Bildnotizen Tagebuchcharakter, es erfordert Konzentration auf ein stetiges Werden, und es verlangt dem Maler eine Unbekümmertheit ab, die dem spontanen Geist geschuldet ist – so entsteht naturgemäß eine Kontinuität, wo das Vorige Auswirkungen auf das Nachfolgende hat. Ist ein Ende in Sicht? In Schlotters Regal warten schon die leeren Bücher. Der Weg ist das Ziel. Über die kontinuierliche Spur der Datierung kann der Künstler auch rückwirkend seine Erinnerung kultivieren, was bei Einzelblättern nur bedingt möglich wäre. So eignet sich das Buch darüber hinaus auch als Archiv der Bilder. Das gilt im übertragenen Sinn wie im direkten: Im Atelier von H.P. Schlotter reihen sich wie in einem Foliantenregal zahllose große und auch kleinformatige Bücher aneinander, Themenbände kommen hinzu. Das ist eine Welt, die sich hier seit etwa einem Vierteljahrhundert entfaltet hat –stellt euch vor, dass er im Jahr bis zu zwei Bände à 80, 90 Seiten füllt. Wenn man bedenkt, dass all diese Seiten der hier präsentierten Buchauswahl Einzelarbeiten sind, muss ich die hohe Zahl von 70 Exponaten, die ich eingangs erwähnte, noch um einiges hochrechnen. Die oftmals literarischen Texte, die sich zuweilen auf den Blättern zeigen, machen deutlich, dass H.P. Schlotter sich gern bestimmter Autoren bedient: Paul Eluard, Friedrich Hölderlin, Fernando Pessoa, Sloterdijk u.a.m., begleitet von Sprüchen aus der Werbung oder aus Nachrichtensendungen. Die Faszination all dieser Bilder liegt für mich in der fulminanten malerischen Qualität und in der Raffinesse, allein aus der Farbe heraus Räume zu schaffen, in der die wundersame Dingwelt Platz findet. Nebenbei bemerkt: Dass Schlotter auch ein großartiger Zeichner ist, lässt sich an etlichen linearen Arbeiten in den Büchern ablesen.

Ich habe vorhin erwähnt, dass der Künstler, von den Büchern ausgehend, eigene Serien aus den Büchern heraus abkoppelt. Eine der Serien nennt der Maler frei nach den gleichnamigen Fragmenten Paul Eluards »Les petits justes«, die kleinen Gerechten. Diese handlichen Formate wären allesamt auch in den Büchern direkt vorstellbar. Schlotter thematisiert in diesen komplexen Bildsystemen sinnfällig und vieldeutig die Erinnerungskultur sowie die seismografischen Verwerfungen der Außenwelt, die allenfalls über signifikante Details ahnbar sind. Für mich ist die poetische Kraft enorm, sodass man die dargestellten Dinge schon gespürt hat, bevor man sie sehen kann – wenn sie sich denn überhaupt zu erkennen geben. »Ich bin wie jemand«, so schreibt Pessoa, »der auf gut Glück sucht und nicht weiß, wo der Gegenstand steckt, von dem ihm niemand gesagt hat, wer er ist.«

Eine weitere Serie heißt sogar wörtlich »Aus den Büchern«, weil Schlotter hier wirkliche Seiten aus den Büchern scannt, vergrößert, übermalt, um so völlig neue Wahrnehmungsfelder zu erschließen. Hier spielt er mit den Wirkungen von Produktion und Reproduktion, Vision und Vorlage, Original und Kopie. Seine Collagen und Übermalungen nennt er in anderen Bildreihen dieses kontextuellen Umfelds auch selbstbewusst »Stolen 3 Images«, wohl wissend, dass unsere Wahrnehmung sich instinktiv bekannter Bildmuster bedient, um das Neue verorten zu können. Mit der offenherzigen Bezeichnung will Schlotter zeigen, dass Kunst allgemein aus dem riesigen Fundus ihrer Geschichte schöpft. Einige der Arbeiten, die ihr hier seht, nutzen Musterblätter bzw. biologische Schautafeln aus schulischen Massendruckwerken, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in hohen Auflagen kursierten, um sie in einem neuen, surrealen Zusammenhang neu zu erfinden.

In einer anderen Serie berührt er konsequent die gedanklich freie Assoziationswelt des Surrealismus, im Sinne eines Max Ernst: In malerisch verfremdeten, geheimnisvoll monochromen und auf nahezu irritierend konkrete Weise figurativen Bildcollagen erkennt man H.P. Schlotters unbändiges Vergnügen, antiquarische Reproduktionsstiche Alter Meister in ganz frischen, teilweise frechen und immer gegenwärtigen Miniaturen zu verarbeiten. »Wie zur Zeit der Wunder« nennt er diese Capriccios eines sprühenden Geistes. In den Miniaturen macht Schlotter deutlich, dass er keine Außenwelt nachbilden möchte, sondern die – fast will man sagen – romantische Idee verfolgt, eine parallele Welt auf Augenhöhe der Wirklichkeit zu erschaffen. Es ist egal, ob wir in diesen kleinen Arbeiten eine Vorlage etwa eines Dürerstiches oder einer kunsthistorisch nachprüfbaren Landschaft erkennen oder nicht, im Gegenteil: Erst wenn wir uns freimachen von einer irgendwie vorliegenden Motivik, begreifen wir die Werke H.P. Schlotters als phantasiestrotzende Fiktionen, die absolut glaubhaft Vorgänge und Situationen in unserem Inneren wiederspiegeln. Dabei geht jedes Einzelbild als Pars pro toto für das Gesamtwerk durch, als Bruchstücke einer großen Melancholie. Hier schließt sich der Kreis zu den Büchern, von denen ich ausgegangen bin. Auf einer Buchseite, die eine zeichnerische Studie mit kuriosen Motiven zeigt, hat der Künstler mit schwäbischem Humor darüber geschrieben: »was isch denn dees, was hab i denn do gsäh«. So sollten wir diese wunderbaren Kopfgeburten auch mit einem Schuss Ironie, ja Selbstironie betrachten. Denn wie sagt unser guter Friedrich Schiller: Ernst ist das Leben, heiter ist die Kunst. H.P. Schlotter macht sich mit grenzenloser Neugier auf Entdeckungsreisen, an denen er uns teilhaben lässt. Zugleich hat er eine ungeheure Lust, die gesehenen Dinge zu verrätseln.

Ich danke für die Aufmerksamkeit.
Günter Baumann, März 2015

Kunstforum Hochschwarzwald. Titisee-Neustadt. Zur Ausstellungseröffnung am 14. September 2007.

Vielleicht haben Sie sich schon einmal in einer alltäglichen und eher nüchtern und kritisch aufgelegten Stimmung gefragt, wodurch sich denn ein Kunstobjekt, ein Kunstwerk von einem anderen, einem nützlichen Gegenstand unterscheidet. Nun, wenn Sie so fragen, wie ich es eben formuliert habe, dann führt diese Frage geradewegs zu einer sinnvollen Antwort. Das Kunstobjekt ist der Nützlichkeit entzogen, es ist verfremdet. Ein solcher Gegenstand, also ein Gebilde, das aus Materie, aus einem Text oder aus Tönen besteht, nennen wir poetisch – im Gegensatz zu den nützlichen Dingen des täglichen Gebrauchs. Im Griechischen bedeutet poiev machen, schaffen, aber auch erfinden. Und entsprechend bedeutet poihsiz Schöpfung oder Dichtung. Ein poetisches Gebilde ist also immer etwas Neues, etwas, was es zuvor noch nicht gab. Aus realer Materie schafft der bildende Künstler mit Farben, Formen und Räumen neue Eindrücke für unsere Sinneswahrnehmung – vor allem für die Augen. – Nun ist es allerdings nicht so, dass der Künstler ein geheimnisvolles künstlerisches Werkzeug hätte, eine Art Zauberstab, mit dem er in der Lage wäre, alles in Kunst zu verwandeln. Der künstlerische Prozess ist um einiges komplexer und andererseits auch weniger geheimnisvoll, als man sich das gemeinhin vorstellt. Der Künstler muss vor allem offen sein für das, was seine Umwelt ihm an Eindrücken bietet und vor allem, in welcher Weise Material und Werkzeuge ihm entgegenkommen und ihm Form- und Bedeutungsangebote machen. Und deshalb genügt es für mich auch nicht, ein schmeichelhaftes Porträt zeichnen oder malen zu können, um mich mit Fug und Recht als Künstler bezeichnen zu dürfen. Es sind nicht die anspruchsvollen Absichten, die ausholenden Konzepte, die das wirkliche Künstlertum ausmachen, sondern es ist eine große Offenheit und Risikobereitschaft im Wahrnehmen und Handeln. Denn der künstlerische Schaffensprozess ist ein interaktiver Vorgang, bei dem immer wieder der Künstler auch der Empfangende ist und das Werk auch vorübergehend in der Rolle des aktiv Handelnden schlüpft. Und nichts anderes meint der Begriff Autopoiesis: Das Werk schafft sich selbst, und der Künstler verändert sich, während er arbeitet – auch er erschafft sich neu. Wenn es nun so ist, dass das Werk nicht allein vom Künstler geschaffen wird, sondern dass es an der eigenen Entstehung auch selbst beteiligt ist, dann kann der Künstler es letztlich auch nicht definieren; er kann nicht dafür einstehen, dass das Werk ein für alle Mal fertig ist. Diese Tatsache weist uns als Betrachter eine neue und besonders anspruchsvolle Rolle zu. Ein Kunstwerk, welches das Atelier verlässt, ist nur zu einem vorläufigen Abschluss gekommen. Aber der künstlerische Prozess geht weiter, sobald wir vor das Werk treten und es wahrnehmen. Die veränderte Rolle des Betrachters sieht so aus, dass es nicht in erster Linie darauf ankommt, aus dem Werk die Absichten des Künstlers herauszulesen, sondern, dass wir im Werk auch etwas von uns entdecken und ihm damit etwas an Substanz, an neuer Bedeutung hinzufügen. – Und damit sind wir beim Kern des Begriffes Autopoiesis angelangt, der alle Aktivitäten umfasst, die zwischen dem Künstler und dem Werk einerseits und dem Werk und dem Betrachter andererseits stattfinden. Der Begriff Autopoiesis stammt ursprünglich aus der Biologie und steht dort für sich selbst erzeugende und steuernde Lebenssysteme. Bei Schlotter verweist er auf die komplexen Prozesse der künstlerischen Arbeit, die nicht als Einbahnstraße vom Künstler zum Werk verstanden werden sollte, sondern als zirkularer Prozess: Indem das Werk sich erzeugt, schafft auch der Künstler sich selbst – und umgekehrt. Die neuesten Bilder von Horst Peter Schlotter sind Ihnen gleich beim Betreten des Galerieraums ins Auge gefallen durch jeweils eine großflächig ins Format gesetzte in leuchtendem Krapprot gemalte vegetabile Figur. Dabei nehmen die Titel „Nachtrag zu Linné II“ und „III“ nicht direkt Bezug auf den Erfinder des Systems der Benennung von Tieren und Pflanzen Carl von Linné; sondern auf ein Gedicht, in dem Günter Kunert sich mit der Gesellschaft als System befasst. Über diesem Umweg findet Schlotter wieder zu den Lebewesen zurück, wobei es ihm jedoch nicht um biologische Funktionen und Begriffe geht, sondern um anschauliche Erfindungen, um quasi natürliche Wesen, eben Geschöpfe des Künstlers und nicht solche der Natur. Trotz des großen Formats sind die beiden Nachträge mit großer Leichtigkeit, sehr spontan und tatsächlich alla prima gemalt. Das dritte Bild aus etwa demselben Zeitraum ist hingegen während eines langen Arbeitsprozesses in mehreren Schichten entstanden. Wenn Sie die drei Gemälde aus nächster Nähe betrachten, werden Sie die Unterschiede sofort erkennen. Der Zweiteiler „Ohne Titel“, zeigt eine liegende Figur. Dieses Gebilde spekuliert nicht darüber, was natürlich sein könnte, sondern es scheint sich offensichtlich um ein Pflanzenteil, vielleicht eine Hackfrucht zu handeln. Aber hier wurde nicht mit der Hacke der Boden gelockert, und es wurde auch nicht das Unkraut ausgehackt, sondern die nützliche Frucht selber wurde ausgehackt, oberes und unteres Ende abgehackt und schließlich wurde sie in der Mitte in der Teilung der Tafeln noch einmal in zwei Teile zerhackt. Hier hat sich also eine grausame Prozedur vollzogen, und gleich zu Beginn der Ausstellung mutet es wie ein Aufschrei an. Die Mahnung, an die Kürze des Lebens zu denken, ist nicht zu überhören. – Hackfrüchte gehören überdies zu denjenigen Kulturpflanzen, deren Blüte unerwünscht ist. Sie werden bereits im jugendlichen Alter geerntet. Demnach geht es nicht einmal um die objektive Dauer einer Lebenszeit, sondern um deren künstliche Abkürzung. Vielleicht kommt Ihnen Manuel de Fallas Operntitel in den Sinn: „La vida breve“, wo das Leben einer jungen liebenden Zigeunerin ein all zu schnelles Ende findet. Oder Sie denken an den auf Hippokrates von Kos zurückgehenden Aphorismus „Das Leben ist kurz, die Kunst lang …“. Hier bietet sich die Gelegenheit, der Inhaltsebene den Rücken zu kehren und uns dem Bild wieder als Kunstwerk zuzuwenden. Nach den Gesetzen der Wahrscheinlichkeit ist unser aller Lebenszeit überschaubar. Das Kunstwerk aber, auch dieses, das wir als Metapher für die allzu kurze Frist unseres Daseins verstehen können, kann bei pfleglicher Behandlung auch nach einem Jahrhundert und mehr immer noch Menschen ansprechen. In der Längsachse des Raums direkt gegenüber hängt ein weiteres Diptychon, das unmittelbar vor den krapproten Bildern entstanden ist und zu dem zuletzt angesprochenen einen entschiedenen Gegenakzent setzt. Der Titel „Still III“ signalisiert uns, dass es sich um eine Art Stillleben handelt. Das Hauptmotiv bilden drei Schalen, die dicht aneinandergerückt sind. Die vordere dunkle enthält eine schwarzbraune Flüssigkeit, und obwohl wir nicht sehen können, worauf die Schale steht, wirft sie doch einen deutlich umrissenen dunklen Schlagschatten auf ihre Standfläche. Die hintere linke Schale ist zur Hälfte mit einer gelben Flüssigkeit gefüllt und wird von zwei schwachen Linien überkreuzt – vielleicht sind es Zweige, die wie absichtslos auf dem Schalenrand aufliegen, weil sie einfach so heruntergefallen sind. Geradezu gewaltsam zerteilt die Fuge zwischen den beiden Tafeln diese beiden Schalen in der Vertikalen und zwingt sie zugleich wie unter einer technischen Konstruktion zusammen. In der dritten Schale scheint sich eine weißliche Flüssigkeit zu befinden, aus der drei lineare Gebilde herausragen, die man als Dampf oder Stöckchen deuten könnte. Es gibt keinerlei Hinweis auf eine Bewegung in der Szene, höchstens die Vorstellung, dass da und dort gerade ein leichtes Zittern war, das gerade zur Ruhe gekommen ist. Und diese kleinen Nichtse von Flecken oder Flocken in tiefem Kadmiumgelb könnten eher schweben als fallen. So vermittelt uns das Gemälde „Still“ eine Vorstellung von Stille, die nicht die absolute Ruhe eines schalltoten Raumes ist, sondern wir sind es selbst, die vor diesem Bild und im Dialog mit demselben still werden und zur Ruhe kommen. Nach rechts folgen drei kleinformatige Gemälde mit dem Titel „Pflanzenwesen“. Pflanzliches und Menschliches verschränkt sich auf symbiotische Weise wie in einer surrealen Welt. Es sind Traumbilder, die dazu einladen, die Gedanken und Fantasien frei schweifen zu lassen, ohne dabei in eine Meditation zu hinüberzugleiten, wie das bei dem Diptychon „Still“ möglich wäre. Die sechs Bilder an den beiden folgenden Wänden tragen den rätselhaften Titel „Roll Over Rrose“. Es handelt sich um übermalte Digi-Prints, wobei die gedruckten Passagen auf vergrößerten Collagen und Mischtechniken von Schlotter beruhen, die ihrerseits auf Bildausschnitten von Marcel Duchamps Großem Glas entstanden waren. Vergleichbares finden Sie unter den Titeln „Variation M. D.“ und „Stolen Images“. Die fünf Stelen mit dem Titel „Stèle Mâlic“ korrespondieren nicht nur in der Präsentation direkt mit der vis à vis hängenden Vierergruppe. Auch sie nehmen Bezug auf ein Detail aus Duchamps Großem Glas, den Moules Mâlic oder maskulinen Gussformen. Um den Titel „Roll Over Rrose“ zu deuten, muss ich aber noch eine kurze Erläuterung zu Marcel Duchamp geben. Dieser hatte sich nämlich als alternative Identität noch das Pseudonym Rrose Selavy zugelegt, das wie ein Frauenname klingt. Aber man muss das doppelte „R-r“ artikulieren und den Namen französisch aussprechen (woran in New York damals kaum jemand dachte), um die richtige Bedeutung zu hören: Eros – çe la vie! Schlotter bekennt sich hier nicht einfach in der Nachfolge des großen Dada-Künstlers zu Vitalität und Erotik als treibender Kraft unserer Existenz. Vielmehr unterwirft er Rrose oder Eros einem wilden und ekstatischen Roll-over und macht es zu etwas Neuem, das nur noch in einem entfernten Zusammenhang mit Duchamp steht. Sie erkennen unschwer, dass wir unversehens bei einem weiteren Gegenpol zu dem meditativen Gemälde „Still“ angelangt sind. – Zweifellos handelt es bei der Gruppe „Roll Over Rrose“ wie auch bei einigen weiteren Werken um sehr komplexe Zusammenhänge, die sich erst allmählich erschließen, wenn man sich nicht nur mit der Oberfläche, sondern auch mit den Hintergründen befasst. Ein derartiges Werk kann über viele Jahre eine Quelle immer neuer Entdeckungen sein – wenn man das möchte. Aber es ist ebenso gut denkbar, dass Sie sich eines dieser Bilder in Ihre Wohnung hängen und sich immer wieder aufs Neue von dessen enigmatischer Schönheit erfreuen und anregen lassen. In und vor der Nische in der Mitte des Ausstellungsraumes finden sich in kleinen und mittleren Formaten Collagen und Mischtechniken sowie drei kleine plastische Arbeiten. Gemeinsam ist diesen, dass Schlotter zu ihrer Herstellung von vorgegebenem Material ausging, einer Grafik, die er überzeichnete und übermalte bzw. einem Objekt, das er im Sinne eines Ready made added weiterverarbeitete. Gerade diese Miniaturen veranschaulichen auf besonders instruktive Weise noch einmal die Methode der Autopoiesis. Es handelt sich immer um Fundstücke, die auf den Künstler zukommen, sich ihm in den Weg stellen, sich anbieten zur Verwandlung. Ihr Rätselcharakter liegt in dem Bruch, der sich zwischen dem ursprünglichen illustrativen oder nützlichen Zweck einerseits und der neu hinzugewonnenen poetischen Aura andererseits auftut. Um dieses Poetische zu erkennen und zur Wirkung kommen zu lassen, ist es für den Betrachter notwendig, selbst aus den zeitrationalen Zwängen herauszutreten, und wenigstens für Momente die Freiheit von Zeitlosigkeit zuzulassen. Der Lohn solcher Bemühung ist weniger ein wissendes Erkennen als vielmehr erlebtes Glück. Somit ist das Kunstwerk letztlich für uns, für die Betrachter, eine Art Katalysator, der uns eine Fülle an Möglichkeiten eröffnet, künstlerisch zu sehen, ästhetisch zu erleben und poetisch zu genießen – und all dieses wird uns geschenkt. Wir brauchen lediglich einen angemessenen Preis zu bezahlen dafür, dass wir der Mühe der künstlerischen Produktion enthoben sind. Ihnen ist sicher bekannt, dass dies nicht für alle aktuelle Kunst gilt. Was mich betrifft, so ist es mir eine angenehme Aufgabe, Ihnen in Horst Peter Schlotter einen Künstler empfehlen zu dürfen, dem die künstlerische Qualität seiner Werke weitaus wichtiger ist als die erzielten Marktpreise.

Zur Ausstellung von Horst-Peter Schlotter im Rathaus Süßen 24. Februar 2008

Meine sehr verehrten Damen und Herren, lieber Peter Schlotter, eigentlich wollte ich es vermeiden, wollte mich nicht einfangen lassen, wollte etwas völlig anderes denken, aber als ich gestern morgen gewissermaßen mit den Worten – „In Stücken in der Zeit treiben“ – auf den Lippen aufwachte und sie für Stunden nicht mehr aus dem Kopf bekam, war klar: ich muss etwas mit diesem Zitat anfangen. „In Stücken in der Zeit treiben“ hat Horst-Peter Schlotter diese Ausstellung genannt. Das klingt gut und bleibt rätselhaft: wer treibt, in welcher Zeit, warum in Stücken? Stücke, Teile, Objekte, Dinge, Sachen – das sind wesentliche Elemente auf Schlotters Bildern seit jeher. Es können Fundstücke im Sinne des Wortes sein: der nackte Vogelschädel aus dem Garten, Samen von Früchten, Schoten, Blätter, Bündel, Wurzeln; Gegenstände, die sich über die Jahre im Atelier ansammelt haben, in Zeitungen, Zeitschriften gefundene Bilder oder Relikte von Kollegenarbeiten. Diese objet trouvés werden aufgehoben, eingelagert, aufbewahrt, in der Vitrine oder im Kopf, und irgendwann tauchen sie dann in den Bildern wieder auf. Als „Stücke für Genießer“ zum Beispiel: als eine Art „petits fours“, aber nicht mit süßer bunter Zuckerglasur für den Gaumen, sondern als mit blauen Stückchen verzierte Kuben, die auf eine Art im Bildraum schweben, wie es in der Realität nicht möglich wäre: ein Augenschmaus. Oder als „Bewegliche Teile“: hier treffen eher technoide, mechanische Objekte aufeinander, die – darauf verweist die Klammer „(Alice’s)“ – angeregt wurden von Arbeiten der amerikanischen Künstlerin Alice Aycock. Oder sie tauchen als blaue Früchte auf, wie sie auf dem Bild „Stillleben mit Früchten“ zu sehen sind, Früchte, von denen Schlotter sagt, er wisse nicht, worum es sich handele, irgend jemand habe sie ihm mal geschenkt und sie waren vielleicht auch nicht so blau. Aber wie sie nun hier auf dem gelben Teller liegen, vielmehr: wie die blauen Formen auf dem gelben Kreis angeordnet sind – denn als Betrachter hat man eine plane Draufsicht – und damit wird völlig unerheblich, welcher Art diese Früchte sind – es ist einfach ein schönes Bild und besonders reizvoll, weil es zudem ein Bild im Bild ist. Schauen Sie es sich noch einmal genau an! Manchmal sind die Formen gar nicht mehr Früchte zu nennen, auch nicht Kakteen oder Blätter, sondern nur noch als biomorph zu bezeichnen: irgendwie aus der Natur stammend, etwas Gewachsenes, Lebendiges. Sie erhalten ein „Eigenleben“ – wie auf dem dreiteiligen Bild mit eben diesem Titel. Ebenfalls dreiteilig ist das Gemälde von der Einladung, ein „Stillleben“, auf dem die Stille gerade erst eingetreten scheint. Spannungsvoll ist der Aufbau: ein Triptychon, das nicht symmetrisch ist (welche Art von Goldenem Schnitt der Künstler gewählt hat?), die wie zufällig schräg getürmte Ansammlung der gelben, roten, blauen undefinierbaren Formen im unteren Drittel, dahinter der türkisfarbige Fond – oder soll man sagen: eine Aufhäufung von angeschwemmtem Treibgut am Strand unter einem hellblauen Himmel? Geht das zu weit? Schlotter eröffnet uns mit seinen Bildern vielerlei Möglichkeiten des Sehens. Aber nochmal zurück zu den Objekten: Vier Bilder tragen den Titel „Lieblingsstücke“ und sie wirken wie eine Darstellung seines künstlerischen Inventars: Bündel, Stäbe, Schalen, blaue Stücke, oft schwebend, kreiselnd, oft in Bewegung. Schalen – darüber muss man ausführlicher sprechen. Während ich diesen Text schrieb, fiel mein Blick immer wieder auf eine Schale, getöpfert, mit blauem Rand, das Innere nicht zu sehen, höchstens zu ahnen, deutlich der sich mit der Sonne verändernde Schatten. Schalen tauchen in Schlotters Bildern, Zeichnungen und natürlich auch als plastische Arbeiten vermehrt seit den 1990er Jahren auf. Erst waren es gelbe Schalen, manchmal sehr beweglich mit blauem Inneren (Sie sollten mal seine Homepage besuchen), später blau, sogar manchmal die Kopfform, die Hirnschale aufgreifend. Betrachten wir die Schalenformen genauer: Es handelt sich um archaische Gegenstände, die ersten Behältnisse, die die Menschen der Frühzeit geformt haben, um daraus zu trinken. Sie sind uns deshalb ganz selbstverständlich und vertraut, als Halbkugel wohl die denkbar harmonischste Form überhaupt: bergend, schöpfend, präsentierend. Sie stehen für die Grundbedingungen des sinnlichen Wahrnehmens: Sehen, Fühlen, Schmecken und daneben als Gefäß symbolisch für Fülle und Leere, nicht zu vergessen für Kult und Ritual in allen Religionen. Das Gefäß kann auch ein Korb sein, Flechtwerk oder die Ein-Fassung für ein Stück von der Farbe Blau. Auf den Bildern, die Schlotter „Still“ nennt, besitzen die Schalen – wohl auch wegen der vertikal angeordneten, unten und oben verbindenden Stäbe – eine gewisse Aura fast wie eine Opferschale oder ein Gral – obwohl sie gar nicht so still sind. Vielleicht sogar unstill. Das Bild „Char (denkbar)“ sollten wir uns nochmal genauer betrachten. Char oder auch Kar ist ein uraltes, in den indogermanischen Sprachen verbreitetes Wort für Gefäß. Und dieses Gefäß, diese Schale hier auf dem Bild unterscheidet sich von den meisten anderen: sie wirkt durch ihre Transparenz nicht räumlich, ist sichtlich nicht aus der Anschauung entstanden, sondern eine Konstruktionszeichnung – eben: denkbar. Und die darüber schwebenden, treibenden, fliegenden, hängenden oder sich befindenden blauen Ellipsen (die man genauso wenig wie ihre Bewegung passend als Blätter oder Linsen benennen kann), sie wirken wie erstarrt, in der Bewegung angehalten. In Stücken in der Zeit treiben? Die Farbe blau ist noch immer sehr dominant, sie kann als Farbe der Stücke auftauchen oder als Inhalt einer Schale, als biomorphe Form oder sogar als leuchtender Hintergrund auf einem Hochformat: dem „Dreamcatcher“, wo der Kopf des Schläfers, der Schläferin am unteren Bildrand die unbestimmten Dinge einfängt oder auf sich bezieht. Doch seit etwa drei Jahren gibt es eine neue Farbigkeit in Schlotters Arbeiten: ein mit Weiß sehr stark aufgehellte, zwischen Türkis und Aquamarin changierende Chromoxydgrün. Es harmoniert in seiner frischen Kühle perfekt mit den kräftigen Farbtönen, ist lebendiger als das bläuliche Grau, das dem Künstler über die Jahre immer wieder als Fond diente und dient. Wann ihm die Helligkeit der aktuellen Arbeiten wieder zu langweilig wird? Gezeigt werden in dieser Ausstellung neben den meist großformatigen Leinwandbildern (Pigment und Acryl auf Nessel) und wenigen gerahmten Papierarbeiten drei Bilder, deren Technik so ungewöhnlich ist, dass ich kurz darauf eingehen möchte (außerdem gefallen sie mir besonders gut): die drei „Blow ups“. Ausgehend von vorhandenem Material, Zeichnungen, Collagen, wie Peter Schlotter sie in seinen Künstlertagebüchern realisiert und das ja auch schon diverse Stufen der Bearbeitung durchlaufen hat, hat er diese drei Bilder eingescannt, geplottet und die dann auf Canvas vergrößerten Digiprints wiederum übermalt. Durch diesen Vorgang– man könnte es analog dem ähnlichen musikalischen Produzieren als Sampeln bezeichnen – geschieht etwas Seltsames: eine Überlagerung verschiedener Schlotterscher Stile. Einmal gibt es ganz konkret die Überlagerung von Schichten, wobei das Transparentpapier mit seinen Knicken und Falten manchmal wie Höhenlinien in einem Atlas wirkt. Der mit blauen Tropfen bedeckte, gescannte Vogelschädel hätte so auch nicht gemalt werden können, ebenso wenig die Sandlawine mit ihrem blauen Auge. Diese drei Blow ups unterscheiden sich zudem von den anderen Arbeiten durch die Beschriftung, wie sie eben aus den Tagebüchern herrührt: „Nicht immer sind die Tage so aber heute“ – da kann sich jeder sein Teil dazu denken. Oder es gibt Zitate, manchmal aus der Musik, oft aus der Literatur wie hier von Paul Eluard (im französischen Original, die Übersetzung lautet etwa: „Überall wo sie vorbeikam, hat sie den Eindruck von Zerstörung hinterlassen“) oder – unter den zugeknüpften Formen, die man als Zeitpäckchen assoziieren könnte – Robert Musil: „Eine Zeit, die in Stücken in der Zeit treibt“. Da haben wir also den Satz, der sich – irgendwo einmal gehört oder gelesen – in Peter Schlotters Kopf so festgesetzt hat, dass er daraus den Ausstellungstitel gewonnen hat, und in meinem ebenfalls. Denn ich konnte mich einfach nicht beherrschen, ich musste auf die Suche gehen, musste herauskriegen, woher dieses Zitat stammt, in welchem Zusammenhang der Dichter Musil dies formuliert hat. Also: es stammt aus dem „Mann ohne Eigenschaften“, jenem weltliterarischen Meisterwerk, das wir alle nicht gelesen haben, aber dank Internet und Bibliothek kann man recherchieren, und der Satz steht im 81. Kapitel, einem Kapitel, in dem der Begriff des „Für“ oder „In“ eines Lebens reflektiert wird. Darin findet sich auch folgender Passus: „Noch im geringsten Fall ist dieses Leben ,für etwas‘ mit dem Besitz eines Notizbuchs zu vergleichen, worin alles eingetragen und Erlebtes ordentlich durchgestrichen wird. Wer das nicht tut, lebt unordentlich, wird mit den Dingen nicht fertig, und wird von ihrem Kommen und Gehen geplagt; wer dagegen ein Notizbuch hat, gleicht dem ökonomi-schen Hausvater, der jeden Nagel, jedes Stück Gummi, jeden Fetzen Stoff aufhebt, weil er weiß, daß ihm ein solcher Fund eines Tags in der Wirtschaft dienen wird.“ Ist das nicht verrückt? Peter Schlotter findet, liest oder hört irgendwann, irgendwo einen Satz und der steht just in einem Kapitel- zusammenhang, in dem das beschrieben wird, was er selber ähnlich tut. Solche Koinzidenzen sind faszinierend und sie zeigen uns, wie sich in der Kunst hinter allem Offensichtlichen weitere Schichten verbergen, die aufzudecken nie völlig gelingt. Viele Entdeckungen wünsche ich Ihnen, lassen Sie sich ein bisschen in der Zeit, in Stücken treiben – und danke für Ihre Aufmerksamkeit.

Zur Ausstellung von Horst Peter Schlotter im Schillerhaus,
Stuttgart-Vaihingen am 6. April 2003

Meine sehr geehrten Damen und Herren, lieber Peter Schlotter,

wenden wir uns heute nachmittag – trotz des Weltgeschehens – zunächst einmal den schönen Dingen zu, denn: Sind sie nicht schön, die Dinge?!

Die Titel der sechs kleinen Arbeiten hier, die neuesten in der Ausstellung aus diesem Jahr, behaupten es jedenfalls, und so viel italienisch verstehen wir alle: „Sono belle le cose“.

Soll ich wirklich von Dingen reden, oder nicht lieber von Farben – gelb, blau – oder von Bewegung, oder von Vorgängen oder von der Bedeutung der Titel? Von Paarbildern und Palimpsesten, von Überlagerungen, von Sequenzen und Variationen, von dem, was man sieht, auf den ersten Blick und auf den zweiten…

Und wie verschiedenartig die Arbeiten sind: die großformatigen, bei denen mit zeichnerischem Schwung Pigment mit Acryl auf Nessel oder Papier aufgebracht und an Farbe nicht gespart wird, die kleinen Tilia-Variationen (eine kennen Sie schon von der Einladung) mit ihren Transparenzen und zarten Geheimnissen zwischen den collagierten Schichten.

Horst Peter Schlotters Bilder – und das verbindet die Werkgruppen wie auch aktuelle und frühere Arbeiten – sind gegenständlich und abstrakt gleichermaßen: abstrakt aus der Bewegung, dem eher zeichnerischen als malerischen Umgang mit Farben und Formen; gegenständlich, weil immer etwas Erkennbares aufscheint.

Wir haben es mit gemalten, geklebten, irgendwie bearbeiteten Dingen zu tun, die man schwer exakt benennen oder identifizieren kann, weil es eben keine in der Realität existierenden Gegenstände sind, aber uns an etwas erinnern, an etwas, was wir schon gesehen haben, „Unterwegs“, in „Träumen“.

Manches ist ganz klar und deutlich: Schale, Blüte, Kelch – Gefäße eben.

Sie tauchen seit den frühen 90er Jahren vermehrt auf: erst als gelbe Schalen, manchmal sehr beweglich mit blauem Inneren (Sie sollten mal seine Homepage besuchen), später blau, sogar manchmal die Kopfform, die Hirnschale aufgreifend, oder schwarz wie die große „Kar“-Schüssel – Kar ist ein uraltes, in den indogermanischen Sprachen verbreitetes Wort für Gefäß. Übrigens war die Vorlage nicht etwa ein Gipserbecher, sondern eine japanische, sehr kostbare, in der Asche gebrannte Schale – besitzt sie nicht eine gewisse Aura wie eine Opferschale oder ein Gral?

Betrachten wir die Schalenformen genauer: Es sind archaische Gegenstände, die ersten Behältnisse, die die Menschen der Frühzeit geformt haben, um daraus zu trinken, sie sind uns deshalb ganz selbstverständlich und vertraut, als Halbkugel wohl die denkbar harmonischste Form überhaupt: bergend, schöpfend, präsentierend. Sie stehen für die Grundbedingungen des sinnlichen Wahrnehmens: Sehen, Fühlen, Schmecken und daneben symbolisch für Fülle und Leere, nicht zu vergessen für Kult und Ritual in allen Religionen. Gefäß kann auch ein Korb sein, Flechtwerk oder die Ein-Fassung für ein Stück von der Farbe Blau, eine Preziose wie ein Schmuckstück („Segmente“ und „Reprise“) .

Schlotter hat immer wieder auch plastische Schalen geformt, aus Ton gebrannt und sie mit verschiedensten Materialien gefüllt, um etwas zu erkunden – „Wie schmeckt die Erde“ (1999 in Korntal) – oder um „Die Überreste der Wunder“ zu bergen, so hieß seine Installation im letzten November in Möglingen.

Die Überreste der Wunder sind blau, und ich kann nicht umhin, wenigstens kurz

über diese Farbe zu reden, diese besondere Farbe, der vor einigen Jahren in Heidelberg eine eigene Ausstellung mit immer neu aufgelegtem voluminösem Katalog gewidmet war … Über die Farbe Blau werden Dissertationen geschrieben und Reportagen über deren Gewinnung – das Fra-Angelico-Blau, das Pigment für das reinste Aquamarin, hergestellt aus dem Halbedelstein Lapislazuli, stammend aus Afghanistan oder Pakistan, war immer sehr teuer, ein Kilo kostet um 24 000 Mark … Schon von daher war es für den Mantel der Madonna reserviert. Immer wieder entdecken Künstler das Blau als ihre Farbe, denken Sie nur an Yves Klein, der sie sich sogar unter seinem Namen patentieren ließ.

Über Jahre dominierte in Schlotters Bildern die Farbe gelb. Das Blau tauchte allenfalls als ein Akzent auf: als ein fremdes, befremdliches künstliches Teil, später als Inneres, dann Äußeres der Schalen, noch später gab es blaue Masken und Köpfe. Oder blaue Zweige, Früchte, Blätter, vor allem aber diese aus dem Nichts fallenden blauen Teilchen – in der schönen Ausstellung im Merklinger Steinhaus gab es sogar richtig schwebende, nämlich an unsichtbaren Fäden aufgehängte blaue Brocken, bemalte Kohlenstückchen.

Aber wie gesagt: das Blau bildete nur einen Akzent. Dies war schon anders gewesen: In den achtziger Jahren malte Schlotter Strömungsfiguren, Gestalten im Sarkophag der Erinnerung – blaue Bilder ebenso wie die Serie der Palimpseste mit ihren überlagernden Farbschichten, in die man hineinsah wie in unergründliche Tiefen.

Wenn in neueren Bildern das Blau überhand nimmt, dann ist es zum einen ein anderes Blau, ein leuchtendes, warmes Ultramarin, nicht das kühle Kobaltblau oder Blaugrau von früher, und es breitet sich geradezu aus…

Die blauen Späne, bei denen man nicht weiß, ob sie sinken oder steigen, die schwebenden blauen Stücke: sie entfalten ein Eigenleben, überziehen die Leinwand mit ihrer Leuchtkraft und schaffen es sogar, das Gelb in den Hintergrund zu drängen. So daß selbst ein „Kelch“ Mühe hat, seine Präsenz zu behaupten.

Die Dinge sind wie sie sind – oder sind sie woanders? Oder findet alles zwischen den Dingen statt? Und was ist mit den Undingen?

„Die wahre Beschaffenheit der Dinge bleibt dir so verborgen, als die sichtbare Gestalt der Welt einem Blindgeborenen.“ schrieb Christoph Martin Wieland, und mit dieses Erkenntnis im Kopf dürfen wir uns eingestehen: Es geht überhaupt nicht um Identifikation und schon gar nicht um Benennung. Wer vorschnell Begriffe über Kunstwerke stülpt, versteht gar nichts. Dies ist keine Schale und das keine Astgabel, kein Schote, kein Trichter und (dnebenan) nicht mal hellenistische Kämpfer: es sind Bilder, die mit Ähnlichkeiten zu wirklichen Dingen spielen, manchmal kokettieren, auf Fährten locken, die vielleicht falsch, aber jedenfalls abenteuerlich sind. (vgl. Franz Marcs „Baue Pferde“)

Nehmen Sie die „Blüte“, ein zweigeteiltes Bild, auf dem eine Art Krokus oder Herbstzeitlose, aber beinahe schwarz mit blauen und gelben Samen, vor blauem und gelben Hintergrund prangt. Das kann die Sprache einigermaßen differenziert beschreiben, auch noch wiedergeben, das die beiden, nicht gleich breiten Bildteile zunächst vertauscht waren: die jetzt diagonalen Farbhintergründe, blau und gelb, zuerst nebeneinander lagen, dann umgedreht wurden. Und ich kann noch erklären, das die Paarbilder eine besondere Spannung zwischen den Teilen auszeichnet, die Spannung aus Gemeinsamkeiten und Unterschieden, den Verklammerungen und Abgrenzungen samt einem ungenannten, unbekannten Dazwischen. Immer benötigen sie ein Gegenstück, denn das Geheimnis ihrer Harmonie liegt in der Balance…

Wenn sie das Bild nicht vorhin gesehen hätten, könnten sie es sich nach diesen Sätzen wohl kaum vorstellen. Es bleibt immer ein Rest Ungewißheit, man kommt ihm mit Worten nie gänzlich auf die Spur, man darf immer noch weiter denken, assoziieren, phantasieren.

Mindestens einen ganz wesentlichen Aspekt muß ich noch nennen: die Bewegung.

Kein Ding ist starr: es fällt oder steigt oder schwebt und noch ein Stilleben wirkt in seiner Schwerelosigkeit lebendig und nur für diesen Moment ausbalanciert, denn in der nächsten Sekunde könnte sich alles verändern.

Zu Schlotters neuesten Arbeiten zählt die Sequenz der drei Schalen, die eine fast skizzenhafte Leichtigkeit besitzen, locker aus der Hand gezeichnet und ungeheuer lebendig: sie schaukeln, kreiseln, purzeln. Ihre helle gelblich-grünliche Farbigkeit korrespondiert mit ihrer Dynamik. Geben Sie eine neue Richtung seiner Arbeit vor? Vielleicht.

Ich war noch bei der Bewegung.

Was ist mit den Collagen-Serien, den Improvisationen, den Blossfeldt- und Tilia-Variationen? Zum Teil finden auch da Bewegungen im Bildraum statt, aber entscheidend ist hier der Fokus unserer Augen: wir versuchen betrachtend die Schichten zu durchdringen, es ist also eine Bewegung von vorne nach hinten und zurück.Bei einer „Improvisation“ finden Sie ein Auge auf dem Grund …

Die Blossfeld-Variationen sind verarbeitete Fotografien (der Fotograf der Neuen Sachlichkeit hieß Karl Blossfeld) von Pflanzenteilen, genauer von Fruchtformen: übermalt mit Acrylfarbe, überklebt mit Seidenpapier, überzogen mit Pastell, mal monochrom, mal vielfarbig. Eine wunderbare Vorlage, zumal in einer vorhandenen Menge, die zu einer Serie werden konnte und Schlotter provozierte, eine an Andy Warhol erinnernde, dem Pop-Art-Gedanken nahestehende, Arbeit zu machen.

Oder die Tilia-Serie: Sie wissen wahrscheinlich, daß Tilia der botanische Name für die Linde ist, Schlotter gibt uns mit dem Titel also Hinweise auf seine Fundstücke: die Blüten und Früchte der Linde bilden das Ausgangsmaterial – aber was heißt das schon!

Nicht weniger und nicht mehr als: da kommen in der Natur oder in seiner Alltagsumgebung Formen vor, die ihn zur Bearbeitung reizen, und zwar keineswegs nur hübsch-harmlose Lindenblütenrelikte, sondern das Foto eines Rinderschädels, einer Lampe aus dem Kunsthaus in Bregenz, ein Rasierapparat, also Gefäßformen, Organisches oder Technoides. Das ist nichts Neues. Neu sind jedoch die schier unendlichen Möglichkeiten, die die neue Computer-Technologie bietet. Denn außer Kopieren und Collagieren und Übermalen kann Schlotter jetzt zusätzlich Scannen und Ausdrucken (matt oder glänzend) und die Ergebnisse dann übermalen und Collagieren und wieder Scannen und und und: in der Musik würde man sagen: ein vielfach gesampeltes Stück …

Ich denke, die Essenz der Werke, dieser kleiner formatigen, aber keineswegs unwichtigeren Werke, bleibt: sich etwas Vorgefundenes anverwandeln, Formen zudecken oder durchscheinen lassen, etwas zwischen den Schichten verbergen oder entblößen, die Dinge so verändern, daß sie zu Undingen mutieren, ein Spiel mit den Möglichkeiten

„Ich mache mir meine Fundstücke selber“, äußerte er einmal im Scherz über die Neuerung durch die Technik, oder war es ernst? Verändert das etwas?

Wie das Finden des momentan absolut Richtigen funktioniert, darüber haben wir immer wieder gesprochen. Es betrifft Material – echte objet trouvés wie Papiere, Pflanzenteile, Werkzeuge, Überreste – genauso wie Worte: Zitate von Dichtern wie Hölderlin, Kunert, Eluard oder Fundstücke aus Büchern von Zsuzsanna Gahse, Fernando Pessoa, Vilem Flusser. Für mich immer ein besonderer Anreiz … und wenn auf einem Bild am Rand die Schrift auftaucht: „Das Blau ist nicht von hier / Die Dinge sind woanders“, dann kann sich das untergründig durch einen (meinen) Text ziehen, niemand bemerkt es, aber es ist vorhanden.

Über das zufällig-gezielte Suchen und Finden sind schon viele Theorien aufgestellt worden, verblüffend ist es allemal, vor allem, wenn es einem selbst passiert. „Zufälle sind ein Material, aus dem wir machen können, was wir wollen“, definierte Novalis. Das klingt jetzt zu sehr nach Spiel, zu wenig nach Arbeit. Aber der Begriff Arbeit darf ruhig mal wörtlich genommen werden, nicht alles, was so leichtfüßig daherkommt, ist ohne Anstrengung entstanden. Und wir, die Betrachter sind gezwungen, mitzugehen, die Provokation aufzunehmen, uns auf eine Zwiesprache einzulassen. Verstehen Sie nicht zu schnell, lassen Sie sich nicht vom schönen Schein einfangen, schauen Sie hinter die Oberfläche, zwischen die Schichten der Bilder.

Sind sie nicht schön, die Dinge, habe ich zu Anfang gefragt und wir uns wohl alle, warum Schlotter diese sechsteilige Serie mit einem italienischen Satz betitelt.

Nun muß man wissen, daß er wie ein Seismograph und zwar mit allen Sinnen die unterschiedlichsten Anregungen aufnimmt, und dazu zählen neben den Fundstücken gleichermaßen die Themen der Kultur. Literatur, Musik, Kinofilme, Theateraufführungen sind – außer der für den notorischen Ausstellungsbesucher ohnehin allgegenwärtigen Kunstszene – im Leben, Denken und Arbeiten präsent. Wenn er ausgerechnet von einer Ausstellung des Italieners Mimmo Rotellas kommend, der mit Abrissen von Plakaten öffentlicher Anschläge arbeitet, mitten in Stuttgart quasi über eine „echte“ Decollage stolpert, ergibt sich daraus natürlich ein Bild im Tagebuch („Peter triff Mimmo bei Jan“). Und wenn er Jahre später diese Papierfetzen wieder findet, denn er konnte damals einfach nicht wiederstehen, Derartiges mitzunehmen und aufzuheben, wenn also irgendwann diese Fundstücke wieder im Atelier auftauchen und Schlotter sich damit kreativ beschäftigt, justament dann singt ein italienischer Barde sein „Sono belle le cose“. Sowas kann man nicht erfinden, aber man könnte, wegen der Gefahr des Pathos, auch nicht einfach von der „Schönheit der Dinge“ sprechen. Ein bißchen Distanz durch Ironie muß schon sein und deshalb, lieber Peter, ein kleines Zitat (von Peter Rühmkorf) als Geschenk:

„Die Kunst ist auch nur ein Naturgewächs – mit Tricks“

© Irene Ferchl, April 2003