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Vorbesichtigung Ausstellung Schlotter. Ich kam direkt von der Autobahn. Monsterstau auf der Gegenfahrbahn. Im Radio zählten Sie, dass der Goldpreis wieder nach unten gegangen ist und dass man sich keine Sorgen um die Gasversorgung aus Russland machen sollte. In Syrien hatten sie wieder Giftgas eingesetzt. Von rechts überholt mich ein Audi Cabriolet. „Idiot“, denke ich. Vor mir ein Lastwagen mit Bauschutt. Der nächste Ausstellung Flyer, geht mir durch den Kopf, ich muss unbedingt noch die Grafiker kontaktieren. Rücksprache mit der Druckerei. Ich versuche die Termine beim Fahren in mein Smartphone rein zu tippen. Verfluchte Autokorrektur. Rote Ampel. Nach links. Holzgerlingen Stadtmitte. Einkaufszentren. Beauty Nails and More. Die Straße hinunter, die Häuser werden immer kleiner. Fachwerk. Dann das kleine Schild „Burg Kalteneck“. Ich finde einen Parkplatz. Vor mir steht das Wasserschlösschen mit roten Fensterläden umgeben von frischen Gärten, einem Wassergraben. Ich bin etwas zu früh dran. Stelle mich auf die Brücke und blicke ins Wasser. Ein Schwan direkt unter mir. Reglos. Weiter draußen Karpfen, die ihre Bahnen ziehen und das Maul bedächtig über die Wasseroberfläche recken. Leiser nun das Geräusch der Stadt. Es wird ruhig um mich und ihn mir. Innehalten. Wie passend, dass Peter Schlotter an diesem schönen, beruhigenden Ort eine Ausstellung zeigt, der er den Titel „Innehalten“ gibt. Ja, man hält inne, wenn man hier eintritt, in die lichten, hübsch verwinkelten Räumen hier in Schloss Kalteneck. Und man spürt gleich, dass sich der Künstler Schlotter, dass sich seine Kunst in diesen Räumen wohlfühlt. HP Schlotter – Innehalten- Holzgerlingen 2014 2 Es war vor einigen Monaten bei der Vernissage eines Künstlerkollegen hier in Holzgerlingen, als Schlotter beim Eintreten freudig ausrief: „Das sind ja tolle Räume. Hier will ich auch mal ausstellen.“ Das wiederum hörte Frau BINDER?…, die Horst Peter Schlotter prompt einlud, die Ausstellungsräume des Schlosses zu bespielen. Und wie man sieht, hat sie den richtigen angesprochen. Im Kunstbetrieb des Südwestens ist Horst-Peter Schlotter eine feste Größe. Er studierte in Stuttgart und Exeter und ist seit den 70er Jahren mit Ausstellungen und Publikationen in Baden-Württemberg permanent präsent. Die Liste seiner Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen, ist lang, zu lang, dass man hier ins Detail gehen könnte. Sie finden sie auf HP Schlotters ausführlicher Homepage. Die Werkauswahl, die Schlotter für Holzgerlingen getroffen hat, nennt er im Untertitel selbst „Bilder und Bildtagebücher“. Er zeigt Zeichnung, Malerei, Kollagen, Übermalungen, vor allem aber lässt er uns in seine künstlerischen Tagebücher blicken. Ich muss zugeben, dass diese Tagebücher mich ganz besonders anzogen. Klar, Tagebücher sind normalerweise geheim, verschlossen, privat. Um so größer die Neugier, die Schaulust. Mutig, dass sich ein Künstler so tief in die Karten schauen läßt. Also fröhlich hineingeblättert. Und ich darf sagen, ich fand einen schier unglaublichen Schatz an Bildern, keinesfalls nur Skizzen, im Gegenteil: Jedes Bild durchgearbeitet, jedes ein kleines Werk. Und kein Blatt gleicht dem anderen, jeden Tag ein neues Motiv, eine neue Bildidee, mal gezeichnet, mal gemalt, auch Fotografien sind darunter. Manches ist gegenständlich ausformuliert, anderes ganz abstrakt oder informell. Oft finden sich kleine Texte und Bemerkungen, mit denen Schlotter die Bilder begleitet, einige sind näher andere ferner vom Motiv. Diese wundervollen Bücher sind die Ergebnisse jahrelangen konsequenten Arbeitens. Jeden Tag setzt sich der Künstler vor ein HP Schlotter – Innehalten- Holzgerlingen 2014 3 weißes Blatt und stoppt, wie er sagt, den ständigen Fluss der Bilder, Motive und Gedanken, die durch ihn hindurchgehen und führt sie in einem bildnerischen Moment zusammen. Diese Blätter entstehen ganz ohne Plan und Ambition, manchmal weiß er selbst nicht woher sie kommen. Bei den Tagebuchbildern ist das Ziel nicht die große Kunst, wie Schlotter sagt, sondern… es gibt kein Ziel. Bei unserem gemeinsamen Gang durch die Ausstellung nannte er diese Bilder seine „täglichen Ausscheidungen“. Ich bin mir nicht sicher, ob mir dieser Ausdruck behagt als Beschreibung für diese kleinen, feinen Werke. Aber ich verstehe, was der Schlotter damit meint. Sie ergeben sich wie in einem täglichen Stoffwechsel, allerdings einem künstlerischen, geistigen. Die Tagebücher sind eine Ansammlung von Bewußtseinsstandbildern oder auch Unterbewußtseinsstandbilder, ein tägliches Räumen, ein tägliches Träumen, ein tägliches Innehalten. Wer jedoch von diesen Bildern Klarheit über das bildnerische Bewußtsein von HP Schlotter erhofft, wird enttäuscht. Das meiste, was man beim Durchblättern erblickt, bleibt rätselhaft, von einer hintergründigen, manchmal auch dunklen Unverständlichkeit. Rätsel begleiten den Betrachter auch bei der Serie kleinformatiger Arbeiten im anschließenden Raum, sie trägt den Titel „Les Petites Justes“. Es handelt sich um behutsam zusammengefügte Kollagen aus Zeitungsbildern (meist aus dem Zeitmagazin) und anderem Papiermaterial, die Schlotter übermalt oder zeichnerisch überarbeitet. Wo die Bildebene der Fotos aufhört und die der künstlerischen Eingriffs beginnt, bleibt meist unklar. Schlotter sorgt dafür, dass man bei diesen Blättern nicht weiß, woran oder worin man ist. Man blickt in ungeklärte Räume mit gegenständlichen Andeutungen und Motiven, die sich allerdings nie eindeutig fassen lassen. Man sieht z.B. ein Auge, das vor einem Haus aus dem Spalt eines Berges erblüht, einen Knopf, mit dem ein Ort vernäht ist, ein Fernrohr, das zur magischen Stehle wird, man sieht HP Schlotter – Innehalten- Holzgerlingen 2014 4 sonderbare Planeten Kugeln, Gefäße, verschattete, verspiegelte menschliche Figuren vor Himmelblau. Was soll das alles, woher kommen diese Bilder, wohin wollen sie uns führen? „Les petites justes“. Schlotter fand den Titel dieser Serie in einem Gedicht des surrealistischen Autors Paul ÉLUARD. Man könnte ihn mit „die trefflichen Kleinen“ oder auch mit „Die trefflichen Kleinigkeiten“ übersetzten. Ja, sie sind trefflich, diese kleinen Arbeiten, stimmig und schön, jedoch behalten sie immer ihr Rätsel. Sie sind trefflich, ohne dass man heraus bekommt, was genau getroffen wird. Aber ich kann Sie trösten: Mit dieser Ratlosigkeit steht man als Betrachter nicht allein da. Schlotter verriet mir, dass er selbst oft selbst nicht weiß was seine „petite Justes“ sollen, was sie wollen, wie auch bei seinen Tagebüchern Es sind keine bewussten Zusammenstellungen von Bildelementen durch den Künstler. Die Bilder, sagt er, entstehen vielmehr von selbst. Schlotter legt Fotos, die ihm ins Auge gefallen, neben und übereinander, schiebt, schichtet, kombiniert und wartet, bis sie einander antworten, bis eine Stimmung entsteht, eine Art Bildraunen, aus Ahnungen und Anklängen. Diese nimmt er dann auf mit malerischen oder gezeichneten Eingriffen, Kommentaren oder Störungen, und führt sie fort, irgendwo hin, solange bis das neue Bild sich gefunden hat. Manchmal ist das Ergebnis so gelungen, dass er in ein großes Format übersetzt und aus einem „petit just“ ein „grand juste“ werden läßt. Ein Beispiel hierfür, eine sonderbare fliegende Tonne mit Leiterzustieg vor schlotterblauem Hintergrund sehen Sie im hinteren Ausstellungsraum. Das Unbewußte, das Unterbewußte mag bei diesem Rätselräumen eine Rolle spielen, wie auch in der Kunst der Surrealisten, auf die er sich dem Titel seiner Serie bezieht. Schlotter bekennt sich frank und frei zu seiner Vereehrung für die Surrealisten, vor allem für Max Ernst und er hat nichts dagegen, wenn seine „Petites Justes“ in der Tradition HP Schlotter – Innehalten- Holzgerlingen 2014 5 von Ernsts Kollagen gelesen werden. Diese Bezüge zum Surrealismus wurden bei einer Ausstellungseröffnung im vergangenen Jahr von Jörg Scheller vortrefflich ausgeführt, so dass ich hier nicht weiter darauf eingehen werde. Ich möchte auf einen anderen Aspekt eingehen: Bei den „Petite Justes“ tritt in meinen Augen ein Schaffensprinzip zu Tage, das grundlegend für das gesamte Werk Schlotters ist und uns letztlich zum Titel der Ausstellung zurückführt. Worauf es bei Schlotter ankommt, ist nicht primär die Fähigkeit des Künstlers, „zu machen“, sondern vor allem seine Fähigkeit „nicht zu machen“, d.h. „geschehen zu lassen.“ Die Werke entstehen nicht nur aus dem Prinzip des Kreierens, d.h. aus der künstlerischen Aktivität sondern mehr noch aus einer sensiblen Passivität, einer Aufmerksamkeit und sie können nur gelingen: im Innehalten. Diesen Zustand aktiver Passivität bzw. passiver Aktivität im künstlerischen Schaffensprozess versucht Schlotter bei seiner Werkreihe der Capriccios im nächsten Raum möglichst direkt auszuleben. Er wollte Bilder schaffen, bei denen er „möglichst wenig macht“, „Das Problem der Künstler nämlich ist“, sagt Schlotter, „dass sie meist zu viel machen. Mich eingeschlossen,“ So grundierte er zunächst eine Reihe von Blättern großzügig mit leuchtend rotem Pigment. Dabei kam es ihm nicht darauf an, eine homogene Oberfläche zu erzeugen, vielmehr sollte das Eigenleben des Auftrags und des Materials sichtbar bleiben. Das Pigment stammt aus alten Malerbeständen und ist mit Kaliumdicromat versetzt, einem Stoff, der zu unberechenbaren goldschimmernden Stellen auf dem Rot führt. Auf diesen changierenden Untergrund arbeitete er dann spontan, direkt mit Kohle, Pinsel, Farbe, lustvoll, impulsiv, volles Tempo. Jedes Werk aus einem einzigen spannungsvollen Schaffensschwung. HP Schlotter – Innehalten- Holzgerlingen 2014 6 So entstand eine Reihe außergewöhnlich energievoller, unmittelbarer Blätter, bei denen sich zu Schlotters eigener Überraschung immer wieder Formulierungen und Motivtypen einfanden, die für ihn schon in früheren Schaffensperioden wichtig waren, wie die Früchte- oder Schotenmotive. Schlotter gab diesem Zyklus den Namen „Capriccio“. Mit diesem Titel verweist er auf die Launenhaftigkeit dieser Arbeiten. Launenhaftigkeit heißt hier einerseits, dass jedes Werk mit hohem Tempo, quasi aus einer einzigen gestalterischen Laune heraus auf das Blatt geworfen wurde, und andererseits, dass sich hier das Material selbst mit seinen Launen und Unberechenbarkeiten ausleben kann. Als wir uns über seine Arbeit unterhielten fiel mir auf, dass Schlotter in einer außergewöhnlichen Weise über seinen Umgang mit dem künstlerischen Materialien sprach. Schlotter sagt nicht, das er das Material verwende, sondern er sagt, dass er „unterwegs ist mit seinen Materialien.“ Auf seinem Weg wird ihm vom Material etwas zugespielt, das er als Künstler dann im Sinne des Materials weiterspielt. Diese Äußerung führt uns ins Zentrum seines Schaffens: HP Schlotters künstlerisches Arbeiten ist kein Machen im engen Sinne, kein Bearbeiten, Verarbeiten von Material mit einem bestimmten Ziel, es ist kein Konstruieren, kein Produzieren. Für diese Form des zielgerichteten, produzierenden Machens verwendeten die alten Griechen das Wort „techné“. Und diesem technischen Machen stellten sie einen anderen Begriff gegenüber, der auf natürliche Wachstumsprozesse angewendet wird und der in der Übersetzung „hervorbringen“ oder „hervorkommen lassen“ bedeutet. Es ist das Wort Poiesis, Poesie. Und in eben diesem Sinne der Poiesis arbeitet HP Schlotter. Er ist nicht Macher, Techniker sondern Hervorbringer, d.h. Poet in einem ursprünglichen Sinne. In diesem Hervorbringen entstehen Werke, die bei aller Stimmigkeit und Ausgewogenheit eben nicht komponiert sind. Es ist, als würden HP Schlotter – Innehalten- Holzgerlingen 2014 7 sie sich wie von selbst, spielerisch in ihr Gleichgewicht fügen. Freie Spiele sinnlicher Momente, die ihre feine Poesie gerade in ihrer Undurchschaubarkeit entfalten. Diese Poesie aus Fügung, aus einem aufmerksamen „Hervorkommen lassen“ macht für mich das Werk von Peter Schlotter aus. Es zeigt sich in den Tagebuchblättern ebenso, wie in den Petites Justes, den Arbeiten aus der Serie „Zufall und Notwendigkeit“, den Capriccios und seinen Arbeiten auf Nessel. Z.B das Diptychon „Tisch“, dieses große schwerrot leuchtenden Bild, das den Besucher gleich zu Beginn der Ausstellung in Empfang nimmt. Man sieht sonderbare Dinge auf und um einen angedeuteten Tisch, ein Gefäß, eine verhüllte Menschengestalt, von oben ragt ein schmales, graues Objekt ins Bild. Das Rot eröffnet einen mysteriösen, unendlichen Raum. Die Position der Dinge in diesem Raum ist nicht klar zu ermitteln. Nichts liegt, nichts steht verbindlich da und doch hat alles seinen Ort im Bild, es ist wie eine schwebende Momentaufnahme im Fluss der Dinge. „Wann“ fragte ich Schlotter am Ende unseres Gesprächs, „wann weißt Du, ob ein Bild wie der „Tisch“ oder auch eines Deiner „Petites Justes“ fertig ist, wann weist Du, dass Du mit der Bearbeitung aufhören musst? „Nicht ich weiß es“, sagt Schlotter, „das Bild weiß es und es teilt es Dir mit. Ich musst nur aufmerksam sein und dann, wenn es so weit ist, innehalten.

Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit Tobias Wall

Kunstforum Hochschwarzwald. Titisee-Neustadt. Zur Ausstellungseröffnung am 14. September 2007.

Vielleicht haben Sie sich schon einmal in einer alltäglichen und eher nüchtern und kritisch aufgelegten Stimmung gefragt, wodurch sich denn ein Kunstobjekt, ein Kunstwerk von einem anderen, einem nützlichen Gegenstand unterscheidet. Nun, wenn Sie so fragen, wie ich es eben formuliert habe, dann führt diese Frage geradewegs zu einer sinnvollen Antwort. Das Kunstobjekt ist der Nützlichkeit entzogen, es ist verfremdet. Ein solcher Gegenstand, also ein Gebilde, das aus Materie, aus einem Text oder aus Tönen besteht, nennen wir poetisch – im Gegensatz zu den nützlichen Dingen des täglichen Gebrauchs. Im Griechischen bedeutet poiev machen, schaffen, aber auch erfinden. Und entsprechend bedeutet poihsiz Schöpfung oder Dichtung. Ein poetisches Gebilde ist also immer etwas Neues, etwas, was es zuvor noch nicht gab. Aus realer Materie schafft der bildende Künstler mit Farben, Formen und Räumen neue Eindrücke für unsere Sinneswahrnehmung – vor allem für die Augen. – Nun ist es allerdings nicht so, dass der Künstler ein geheimnisvolles künstlerisches Werkzeug hätte, eine Art Zauberstab, mit dem er in der Lage wäre, alles in Kunst zu verwandeln. Der künstlerische Prozess ist um einiges komplexer und andererseits auch weniger geheimnisvoll, als man sich das gemeinhin vorstellt. Der Künstler muss vor allem offen sein für das, was seine Umwelt ihm an Eindrücken bietet und vor allem, in welcher Weise Material und Werkzeuge ihm entgegenkommen und ihm Form- und Bedeutungsangebote machen. Und deshalb genügt es für mich auch nicht, ein schmeichelhaftes Porträt zeichnen oder malen zu können, um mich mit Fug und Recht als Künstler bezeichnen zu dürfen. Es sind nicht die anspruchsvollen Absichten, die ausholenden Konzepte, die das wirkliche Künstlertum ausmachen, sondern es ist eine große Offenheit und Risikobereitschaft im Wahrnehmen und Handeln. Denn der künstlerische Schaffensprozess ist ein interaktiver Vorgang, bei dem immer wieder der Künstler auch der Empfangende ist und das Werk auch vorübergehend in der Rolle des aktiv Handelnden schlüpft. Und nichts anderes meint der Begriff Autopoiesis: Das Werk schafft sich selbst, und der Künstler verändert sich, während er arbeitet – auch er erschafft sich neu. Wenn es nun so ist, dass das Werk nicht allein vom Künstler geschaffen wird, sondern dass es an der eigenen Entstehung auch selbst beteiligt ist, dann kann der Künstler es letztlich auch nicht definieren; er kann nicht dafür einstehen, dass das Werk ein für alle Mal fertig ist. Diese Tatsache weist uns als Betrachter eine neue und besonders anspruchsvolle Rolle zu. Ein Kunstwerk, welches das Atelier verlässt, ist nur zu einem vorläufigen Abschluss gekommen. Aber der künstlerische Prozess geht weiter, sobald wir vor das Werk treten und es wahrnehmen. Die veränderte Rolle des Betrachters sieht so aus, dass es nicht in erster Linie darauf ankommt, aus dem Werk die Absichten des Künstlers herauszulesen, sondern, dass wir im Werk auch etwas von uns entdecken und ihm damit etwas an Substanz, an neuer Bedeutung hinzufügen. – Und damit sind wir beim Kern des Begriffes Autopoiesis angelangt, der alle Aktivitäten umfasst, die zwischen dem Künstler und dem Werk einerseits und dem Werk und dem Betrachter andererseits stattfinden. Der Begriff Autopoiesis stammt ursprünglich aus der Biologie und steht dort für sich selbst erzeugende und steuernde Lebenssysteme. Bei Schlotter verweist er auf die komplexen Prozesse der künstlerischen Arbeit, die nicht als Einbahnstraße vom Künstler zum Werk verstanden werden sollte, sondern als zirkularer Prozess: Indem das Werk sich erzeugt, schafft auch der Künstler sich selbst – und umgekehrt. Die neuesten Bilder von Horst Peter Schlotter sind Ihnen gleich beim Betreten des Galerieraums ins Auge gefallen durch jeweils eine großflächig ins Format gesetzte in leuchtendem Krapprot gemalte vegetabile Figur. Dabei nehmen die Titel „Nachtrag zu Linné II“ und „III“ nicht direkt Bezug auf den Erfinder des Systems der Benennung von Tieren und Pflanzen Carl von Linné; sondern auf ein Gedicht, in dem Günter Kunert sich mit der Gesellschaft als System befasst. Über diesem Umweg findet Schlotter wieder zu den Lebewesen zurück, wobei es ihm jedoch nicht um biologische Funktionen und Begriffe geht, sondern um anschauliche Erfindungen, um quasi natürliche Wesen, eben Geschöpfe des Künstlers und nicht solche der Natur. Trotz des großen Formats sind die beiden Nachträge mit großer Leichtigkeit, sehr spontan und tatsächlich alla prima gemalt. Das dritte Bild aus etwa demselben Zeitraum ist hingegen während eines langen Arbeitsprozesses in mehreren Schichten entstanden. Wenn Sie die drei Gemälde aus nächster Nähe betrachten, werden Sie die Unterschiede sofort erkennen. Der Zweiteiler „Ohne Titel“, zeigt eine liegende Figur. Dieses Gebilde spekuliert nicht darüber, was natürlich sein könnte, sondern es scheint sich offensichtlich um ein Pflanzenteil, vielleicht eine Hackfrucht zu handeln. Aber hier wurde nicht mit der Hacke der Boden gelockert, und es wurde auch nicht das Unkraut ausgehackt, sondern die nützliche Frucht selber wurde ausgehackt, oberes und unteres Ende abgehackt und schließlich wurde sie in der Mitte in der Teilung der Tafeln noch einmal in zwei Teile zerhackt. Hier hat sich also eine grausame Prozedur vollzogen, und gleich zu Beginn der Ausstellung mutet es wie ein Aufschrei an. Die Mahnung, an die Kürze des Lebens zu denken, ist nicht zu überhören. – Hackfrüchte gehören überdies zu denjenigen Kulturpflanzen, deren Blüte unerwünscht ist. Sie werden bereits im jugendlichen Alter geerntet. Demnach geht es nicht einmal um die objektive Dauer einer Lebenszeit, sondern um deren künstliche Abkürzung. Vielleicht kommt Ihnen Manuel de Fallas Operntitel in den Sinn: „La vida breve“, wo das Leben einer jungen liebenden Zigeunerin ein all zu schnelles Ende findet. Oder Sie denken an den auf Hippokrates von Kos zurückgehenden Aphorismus „Das Leben ist kurz, die Kunst lang …“. Hier bietet sich die Gelegenheit, der Inhaltsebene den Rücken zu kehren und uns dem Bild wieder als Kunstwerk zuzuwenden. Nach den Gesetzen der Wahrscheinlichkeit ist unser aller Lebenszeit überschaubar. Das Kunstwerk aber, auch dieses, das wir als Metapher für die allzu kurze Frist unseres Daseins verstehen können, kann bei pfleglicher Behandlung auch nach einem Jahrhundert und mehr immer noch Menschen ansprechen. In der Längsachse des Raums direkt gegenüber hängt ein weiteres Diptychon, das unmittelbar vor den krapproten Bildern entstanden ist und zu dem zuletzt angesprochenen einen entschiedenen Gegenakzent setzt. Der Titel „Still III“ signalisiert uns, dass es sich um eine Art Stillleben handelt. Das Hauptmotiv bilden drei Schalen, die dicht aneinandergerückt sind. Die vordere dunkle enthält eine schwarzbraune Flüssigkeit, und obwohl wir nicht sehen können, worauf die Schale steht, wirft sie doch einen deutlich umrissenen dunklen Schlagschatten auf ihre Standfläche. Die hintere linke Schale ist zur Hälfte mit einer gelben Flüssigkeit gefüllt und wird von zwei schwachen Linien überkreuzt – vielleicht sind es Zweige, die wie absichtslos auf dem Schalenrand aufliegen, weil sie einfach so heruntergefallen sind. Geradezu gewaltsam zerteilt die Fuge zwischen den beiden Tafeln diese beiden Schalen in der Vertikalen und zwingt sie zugleich wie unter einer technischen Konstruktion zusammen. In der dritten Schale scheint sich eine weißliche Flüssigkeit zu befinden, aus der drei lineare Gebilde herausragen, die man als Dampf oder Stöckchen deuten könnte. Es gibt keinerlei Hinweis auf eine Bewegung in der Szene, höchstens die Vorstellung, dass da und dort gerade ein leichtes Zittern war, das gerade zur Ruhe gekommen ist. Und diese kleinen Nichtse von Flecken oder Flocken in tiefem Kadmiumgelb könnten eher schweben als fallen. So vermittelt uns das Gemälde „Still“ eine Vorstellung von Stille, die nicht die absolute Ruhe eines schalltoten Raumes ist, sondern wir sind es selbst, die vor diesem Bild und im Dialog mit demselben still werden und zur Ruhe kommen. Nach rechts folgen drei kleinformatige Gemälde mit dem Titel „Pflanzenwesen“. Pflanzliches und Menschliches verschränkt sich auf symbiotische Weise wie in einer surrealen Welt. Es sind Traumbilder, die dazu einladen, die Gedanken und Fantasien frei schweifen zu lassen, ohne dabei in eine Meditation zu hinüberzugleiten, wie das bei dem Diptychon „Still“ möglich wäre. Die sechs Bilder an den beiden folgenden Wänden tragen den rätselhaften Titel „Roll Over Rrose“. Es handelt sich um übermalte Digi-Prints, wobei die gedruckten Passagen auf vergrößerten Collagen und Mischtechniken von Schlotter beruhen, die ihrerseits auf Bildausschnitten von Marcel Duchamps Großem Glas entstanden waren. Vergleichbares finden Sie unter den Titeln „Variation M. D.“ und „Stolen Images“. Die fünf Stelen mit dem Titel „Stèle Mâlic“ korrespondieren nicht nur in der Präsentation direkt mit der vis à vis hängenden Vierergruppe. Auch sie nehmen Bezug auf ein Detail aus Duchamps Großem Glas, den Moules Mâlic oder maskulinen Gussformen. Um den Titel „Roll Over Rrose“ zu deuten, muss ich aber noch eine kurze Erläuterung zu Marcel Duchamp geben. Dieser hatte sich nämlich als alternative Identität noch das Pseudonym Rrose Selavy zugelegt, das wie ein Frauenname klingt. Aber man muss das doppelte „R-r“ artikulieren und den Namen französisch aussprechen (woran in New York damals kaum jemand dachte), um die richtige Bedeutung zu hören: Eros – çe la vie! Schlotter bekennt sich hier nicht einfach in der Nachfolge des großen Dada-Künstlers zu Vitalität und Erotik als treibender Kraft unserer Existenz. Vielmehr unterwirft er Rrose oder Eros einem wilden und ekstatischen Roll-over und macht es zu etwas Neuem, das nur noch in einem entfernten Zusammenhang mit Duchamp steht. Sie erkennen unschwer, dass wir unversehens bei einem weiteren Gegenpol zu dem meditativen Gemälde „Still“ angelangt sind. – Zweifellos handelt es bei der Gruppe „Roll Over Rrose“ wie auch bei einigen weiteren Werken um sehr komplexe Zusammenhänge, die sich erst allmählich erschließen, wenn man sich nicht nur mit der Oberfläche, sondern auch mit den Hintergründen befasst. Ein derartiges Werk kann über viele Jahre eine Quelle immer neuer Entdeckungen sein – wenn man das möchte. Aber es ist ebenso gut denkbar, dass Sie sich eines dieser Bilder in Ihre Wohnung hängen und sich immer wieder aufs Neue von dessen enigmatischer Schönheit erfreuen und anregen lassen. In und vor der Nische in der Mitte des Ausstellungsraumes finden sich in kleinen und mittleren Formaten Collagen und Mischtechniken sowie drei kleine plastische Arbeiten. Gemeinsam ist diesen, dass Schlotter zu ihrer Herstellung von vorgegebenem Material ausging, einer Grafik, die er überzeichnete und übermalte bzw. einem Objekt, das er im Sinne eines Ready made added weiterverarbeitete. Gerade diese Miniaturen veranschaulichen auf besonders instruktive Weise noch einmal die Methode der Autopoiesis. Es handelt sich immer um Fundstücke, die auf den Künstler zukommen, sich ihm in den Weg stellen, sich anbieten zur Verwandlung. Ihr Rätselcharakter liegt in dem Bruch, der sich zwischen dem ursprünglichen illustrativen oder nützlichen Zweck einerseits und der neu hinzugewonnenen poetischen Aura andererseits auftut. Um dieses Poetische zu erkennen und zur Wirkung kommen zu lassen, ist es für den Betrachter notwendig, selbst aus den zeitrationalen Zwängen herauszutreten, und wenigstens für Momente die Freiheit von Zeitlosigkeit zuzulassen. Der Lohn solcher Bemühung ist weniger ein wissendes Erkennen als vielmehr erlebtes Glück. Somit ist das Kunstwerk letztlich für uns, für die Betrachter, eine Art Katalysator, der uns eine Fülle an Möglichkeiten eröffnet, künstlerisch zu sehen, ästhetisch zu erleben und poetisch zu genießen – und all dieses wird uns geschenkt. Wir brauchen lediglich einen angemessenen Preis zu bezahlen dafür, dass wir der Mühe der künstlerischen Produktion enthoben sind. Ihnen ist sicher bekannt, dass dies nicht für alle aktuelle Kunst gilt. Was mich betrifft, so ist es mir eine angenehme Aufgabe, Ihnen in Horst Peter Schlotter einen Künstler empfehlen zu dürfen, dem die künstlerische Qualität seiner Werke weitaus wichtiger ist als die erzielten Marktpreise.